中国画是独特东方中华文明的艺术表现，诗书画印构成一幅画作的完整性，是缺一不可的。中国画的最根本特点是写意，用写的深厚功力来表现意境的生动(有生活、有思想、有渴望)。无论大画小品，都必须要有诉求的内容，激情表现形式(个性特点、风格多样、不拘一格)，狂放并非胡乱涂鸦，严谨并非描头画足，制作精微。最重要之点，意到笔墨并非处处维护，似与不似之间。
有了情怀，但画幅是具体的 视觉对象，要有深厚熟练的笔墨去表现，也就是要有功夫。笔与墨的结合实际是分不开的(西画讲笔触、色块)。用笔中国画通常认为是线条，实际上讲落笔即是用笔。墨则是可分五色，看画使人能受吸引，走的近。画面中首先是挥洒自如的气息，刚劲有力的落笔(而不是描摹，细碎的制作)，墨分五色的韵味，组成作者要表现的内容和思想，好画一定如此。
寄情于山水，以此抒情怀，感悟人生，有深深的情结与山川去神遇，相隐不分。几十年的执着，思想的徘徊，笔墨的探究，废画三千，其中突显出几多可贵?我兴奋，也困惑，时常又不能自己，是因为这份情结使我不能终止学习与创作。
随着年龄的增长，我不时地反思、肯定和否定自己。作为一个中国画画家，不论是传统意义上的，还是现代多元意义上的，都不是那么简单的“标贴”，而是要有思想—思路—思变。画家太具体了，在集大成(思想的活跃、认识悟性的灵动、人格的建立)之中要有代表的画作是最真实可见的。无论多么奇思妙想、粉饰宣扬，画家不能受囿他人的理论、思想、社会活动的评论，而是要让作品自己说话，要达到视觉的冲击感染作用，这需要长期刻苦的实践过程。顿悟、灵感的提示，不是与生俱来的。清代恽格有云：“笔墨本无情，不可使运笔者无情，作画在摄情，不可使鉴画者不生情。”情感是画家重要的内质，作画时的境界，自由状态的挥洒，随心所欲的运笔，都是由情感所支配，关键是要心手合一、成形、成境于纸上。
虚与实的变化，不同于多少、长短、大小的量变，它是相互对应，相互转换的变化。在画面中，虚实变化是传神的要素，使画面产生暗示、隐喻、譬喻而联想达意境。笔精墨妙是画面表现的精髓，笔与墨组合去表述情感和境界，无论是加法还是减法，都必须是生动有活力的。风格的形成是性格和认识的结果，这也是在长期实践中自然产生的。艺术之路与时代共存。创作实践的过程应该是最快乐的，能有“时代精神”在作品中体现就有亮点，是一时的成功。追求与突破不是生硬的摆个架式即可，要深化、完善，有耐心用生命去延续。但是要达到炉火纯青的境界，这是一辈子都未必能完成的。然而，艺术的接力棒总有所传承，不必担心。
学无止境，一生都得学习。我总结了学有三师：师传统、师造化、师社会。这是个反复认识、理解、再认识的过程。师传统是根本，无论怎样发展变化，一定是要有基础的思变，再天生聪明的头脑，也是要先接受才能有所发现的。师造化是要身临其境，用真情与自然去碰撞、寻找、得到自己的理解，并表现在作品中。师社会，这是不应该逃避的，生在当世就得适应、与时俱进。时代精神的体现，对于艺术创作的思考，取众长、得提示，再深入发展，才是真有灵性之物。
我热爱山水的情结持续了40多年，我仍然还是在不断地发现、惊奇。英•岗布里奇《绘画再现的心理研究》一书中对所见所知矛盾的分析，创作中的“制作先于匹配，预成图示的修正”，这是非常正确的，是绘画创作的真实过程。视觉记录不是能传授的知识，只是一种猜测。思考中矛盾重重，寻找以获帮助，在不断试验中得心应手，用卓越画家的手去完成美的形式、图样……我会坚定地保持着这种情结，去创作、去享受。
我绘祖国好河山，只为留与大家看。(赵元年)
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